O Tragicômico na figura de Arlequina

São Paulo! Comoção de minha vida…

Os meus amores são flores feitas de original…

Arlequinal!… Traje de losangos… Cinza e ouro…

Luz e bruma… Forno e inverno morno…

Elegâncias sutis sem escândalos, sem ciúmes…

Perfumes de Paris… Arys!

Bofetadas líricas do Trianon… Algodoal!…

São Paulo! Comoção de minha vida…

Galicismo a barrar nos desertos da América![1]

Para podermos mencionar de modo mais ilustrativo a figura da personagem arlequina, trouxemos o cartaz produzido pelo renomado artista René Magritte (1898–1967), que é um dos principais nomes do movimento de arte e literatura do séc. XX, nomeado por surrealismo.

Contudo, a produção do cartaz é feita em uma fase “secundária”, ainda anterior, ao seu envolvimento e protagonismo neste famoso movimento das belas artes, antes mesmo das futuras influências que viria receber de artistas que faziam parte e se identificavam com este mesmo seguimento conceitual que estava começando a ganhar espaço e reconhecimento. Visto que o cartaz foi produzido enquanto ele ainda morava na Bélgica, onde trabalhava sob contrato para uma fábrica de papel de parede, produzindo cartazes, dois anos antes dele se mudar para Paris, no ano de 1927 e realizar sua primeira exposição de suas telas, bem como também antes de fazer amizade com expoentes da corrente surrealista que já formavam um grupo, tais como o poeta André Breton e o pintor Marcel Duchamp.

Gostaríamos de apontar para outro fator que também antecede a relação do artista Magritte com surrealismo, um diálogo que em certa medida poderia levá-lo ao encontro destas ideias. Trata-se da proximidade dos conceitos e das concepções estéticas que tanto o surrealismo, quanto em especial Magritte, tinha para com o chamado movimento de arte metafísica, ou, de metafísica italiana e também chamado de futurismo, tendo como um dos principais percussores o autor Giorgio de Chirico (1888–1978), em especial uma de suas telas do ano de 1915, intitulada de The Song of Love, também conhecida como Love Song, ou, “Canção de Amor”.

Giorgio de Chirico , 1914, The Song of Love , óleo sobre tela, 73 x 59 cm, Museu de Arte Moderna , Nova York. Esta obra que foi pintada quase a dez anos antes, do poeta André Breton publicar o livro O Manifesto Surrealista, em 1924, que por muitos é considerado a obra que inaugurou propriamente o movimento surrealista, no qual cito: “O homem, esse sonhador definitivo, cada dia mais desgostoso com seu destino, a custo repara nos objetos de seu uso habitual…”[2]. Com isso os sonhos, o universo onírico e o inconsciente começam a ganhar espaço dentro das telas que foram produzidas sobre viés estilístico desse movimento, incluindo não só telas, mas também livros, poemas, e demais manifestações de criatividade artística.

Que a arte não seja porém limpar versos de exageros coloridos. Exagero: símbolo sempre novo da vida como do sonho. Por ele vida e sonho se irmanam. E, consciente, não é defeito, mas meio legítimo de expressão.[3]

A tela de Giorgio de Chirico, exposta acima, é composta e preenchida por elementos e objetos comuns, que destoam sobre a paisagem e caracterizam uma lógica inversa a da realidade, como por exemplo a luva pela proporção retratada, e também em sua utilização outra, pois ao invés de se prestar ao uso de uma mão, na verdade está pregada na parede, talvez até como algo decorativo. Por isso, já nesta tela podemos observar traços do movimento artístico chamado surrealismo, sobretudo, como mencionamos ao retratar figuras que destoam da lógica da paisagem e da realidade, como também é o caso da cabeça de uma escultura grega, que parece estar de alguma forma grudada na mesma parede em que a luva foi pregada.

Boa parte da obra é preenchida por um simbolismo que retira dos objetos sua função e utilidades padrão e da vasão a outras funções, seguindo por uma faculdade que não seja a da lógica do consciente, mas uma intencionalidade de retratar de forma artística, impulsos de criatividade que não se realizam somente na reprodução fidedigna de elementos de realidade, mas sim enfatizar a presença de uma instância psicológica tal qual a do sonho, onde poderíamos observar a realidade através da mediação criativa e artística de um mundo onírico. Podemos dizer que a partir daí surgiu o estilo surrealista que procurava estudar a presença do inconsciente dentro da arte.

Arte não consegue reproduzir natureza, nem este é seu fim. Todos os grandes artistas, ora consciente, ora inconsciente, foram deformadores da natureza. Donde infiro que o belo artístico será tanto mais artístico, tanto mais subjetivo quanto mais se afastar do belo natural. [4]

Voltando atenção para nossa obra central de Magritte, a Arlequinade, além de ressaltar a vertente já mencionada da publicidade, trata-se de uma produção muito peculiar, que já apresenta uma característica que será bastante marcante nas suas telas surrealista, mais precisamente ao trabalhar a questão da profundidade o autor preenche as beiradas de tela, neste caso os dois lados da pintura são preenchidos pelo losango, em outras obras futuras aparece a presença de cortinas nas extremidades, seguindo a ideia de desvelamento de um mundo novo. No caso da imagem que escolhemos passaremos a expor aspectos da própria obra que já apontam para uma linguagem simbólica da imagem e das figuras que a compõem.

Sobre esta mesma arte do ano de 1925, podemos encontrar características que expressam uma construção intelectual da tela, pois, apesar de se tratar de uma propaganda, Magritte ainda consegue fazer isso de modo profundamente artístico, onde se utiliza do arquétipo de arlequina, construída no contexto do teatro, no gênero da comédia italiana, sua etimologia deriva desta mesma origem italiana na palavra “arlecchino” que era utilizada para se referir a personagem da peça responsável por fazer a plateia rir, dando origem tanto ao arlequim, quanto a nossa arlequina no seu sentido teatral de palhaça.

Gostaríamos dentro desta análise e leitura da imagem, propor um desligamento para com a vinculação publicitária da pintura, para então concentrar e atentar aos detalhes, aos aspectos que compõem a profundidade desta obra.

Sobretudo, interessa investigarmos a relação entre o trágico e o cômico na figura da palhaça — arlequina — , personagem carnavalesca, de celebração, da festa, da dança e do riso. Esta personagem está localizada na tela precisamente na parte superior da pintura, como uma espécie de plano de fundo, o qual por sua vez pode estar elucidando para o âmbito do inconsciente, onde indicaria para uma presença deste arquétipo, esta figura e este símbolo que aparece numa instância psíquica do inconsciente, do sonho, ou da fantasia onírica.

Vale ainda ressaltar a presença da máscara em seu rosto, esta mesma que podemos descrever como um acessório de proteção, de encobrimento, de obscurecimento do interno. Ao esconder seu rosto, esconde também seu sentimento, estes que aparecem na forma cômica, mas que no fundo padecem de uma angústia pontiaguda, um sofrimento afiado, possivelmente uma sensação que ela não esteja sendo capaz de lidar internamente, por isso veste a máscara e esconde seu interior que está em conflito, manifestando apenas a risada como fuga do seu próprio sentir

Por trás da sua máscara, observamos uma pessoa em conflito, e justamente por esse incômodo proporcionado pelo conflito profundo, é que aparece a máscara, na tentativa de incorporar alegria no ato rir e pela expressão da risada, procura então, suprimir, recalcar e esconder sua marca mais profunda, que é, na verdade, uma aguda tristeza.

Passando para parte inferior da tela, temos quase que como a continuação do cabelo da arlequina, escorrendo para parte debaixo, porém, quando chegam nessa camada inferior, transformam-se em um quadriculado no formato de losangos, característica marcante da própria personagem. Contudo, Magritte faz um uso peculiar deste quadriculado, quase que transformando o quadrado em losangos e depois em triângulos pelo ângulo em que está pintado, e também pelos recortes no meio do quadrado que formam exatamente triângulos nas extremidades.

Pela descrição que foi dado dos sentimentos que a personagem esconde e encobre, torna-se bastante intuitivo o uso desses triângulos e losangos para enfatizar a intensidade das angústias existenciais, dos traumas, dos complexos, dos sofrimentos que ainda não aprendemos a lidar. Por conseguinte, esse agudo, essa ponta e o pontiagudo, da forma geométrica se reflete na própria identidade da personagem, onde padece de um incômodo, um desconforto, uma insolução do conflito que permanece, tornando-o mais intenso, mais marcante, mais profundo, e fazendo com que a máscara seja inevitável, pois funciona como um mecanismo de defesa, pela sua função fundamental de esconder o sofrimento, de apaziguar pelo menos a demonstração externa desse sentimento interno.

Por fim, é interessante notarmos a expressão de neutralidade nesta personagem arlequina, em sua expressão não conseguimos distinguir entre a tragicidade, o sofrimento, ou, o cômico e a alegria pelo riso. Características das quais a transforma mais ainda em plano de fundo, além de já ter sido pintada nesse ponto de profundidade da tela, por isso somos direcionados à figura central, da mulher com vestido, a personagem que é a modelo do vestido, este que está carregado de formas geométricas, numa espécie de peso que cai sobre suas costas, simultaneamente ela tem o seu braço esquerdo estendido, num sentido de apoio ao corpo que sofre com o peso. Já em seu rosto encontramos aspectos melancólicos, como quem está muito longe da sua realidade, imersa em seus pensamentos e num olhar vago que também demonstra sofrimento.

Em síntese, a interpretação que este trabalho retira da tela é que em um segundo plano, não o principal, não o da consciência nem o da realidade em um representação fiel da natureza, mas sim um plano inconsciente, um espaço onírico sempre aberto da criatividade, é onde esta colocada a figura de arlequina, e com isso ele pode representar o grande entrave que é preciso superar, um grande sofrimento da existência, no qual a máscara pretende sublimar pela transformação do triste em alegre, da lágrima ao riso. Por isso, a arlequina presente no inconsciente demonstra questões da própria existência que se refletem e pesam sobre a vida real, a vida cotidiana e do consciente, onde temos a modelo retratada por uma melancolia profunda, de alguém que sofre desse conflito interno, dessa alternância sem fim entre a alegria e a tristeza, o trágico e o cômico.